Lettre à un jeune comédien

Cher ami

Vous êtes venu me voir, il y a quelques jours, et j’ai l’impression que je n’ai pas su vous recevoir ni vous écouter. J’ai craint, comme toujours je le crains dans des circonstances de rencontre, que, eu égard à ma situation de psychanalyste et homme de théâtre, vous vous soyez servi de l’autorité de l’un (le psychanalyste) pour vous garantir, vous assurer, vous conforter du choix que vous allez faire et auquel vous vous êtes déjà promis (le théâtre, la profession? d’acteur).

Comme psy, je n’ai rien à vous dire, comme homme de théâtre, il faudrait que nous travaillions ensemble pour que j’aie à exprimer le sentiment que j’ai de vous. J’ai été maladroit ou trop adroit car je n’ai rien dit. Aujourd’hui, j’essaie de mieux faire comprendre mon silence d’hier et mon impuissance ainsi que mon espérance… en vous.

Vous m’avez bien dit que vos parents étaient divorcés quand vous étiez enfant et que le théâtre réparait en quelque sorte cette séparation; il répétait un roman familial, pardon, un roman théâtral.

Mais est-ce que cela est suffisant pour vous armer, non pas de talent, mais de puissance vitale et enivrante? Ne considérez pas le théâtre comme une seconde famille, sinon elle sera pire que la première. Mesurez-vous avec cette société indifférente à l’art, avec le «parisianisme» salissant et ce provincialisme plus rebutant encore.

Ne vous intéressez pas à votre talent; les gens à talent n’ont aucun intérêt; tâchez de creuser votre réceptivité, votre sensibilité, ce sera votre «génie» ce sera là même seulement où vous trouverez quelque source; quand je dis «génie», je veux dire le démonique, l’inconscient, voire le démoniaque.

Aujourd’hui, les clercs tiennent le haut du pavé, avec de gros bouquins, des citations, et pourfendent l’air comme des matamores. Vous m’en  avez parlé drôlement avec beaucoup d’humour et de pertinence, avec moins de rage que je n’aurais su le faire moi-même, moi qui ai tant souffert de leur censure. Vous ne vous laisserez pas avoir par les idéologues, car vous êtes avisé et vous avez déjà compris que la pensée n’a pas besoin de bretelles: son pantalon tient tout seul et quand elle s’effondre, surviennent alors des phénomènes incroyables auxquels la pensée ne nous faisait pas encore penser.

Vous êtes encore dans «un cours d’art dramatique»; leur enseignement est toujours médiocre, mais non leurs enseignants… C’est ce qui compte. Je vous ai vu très attaché à cette «dame» que je ne connais pas et dont vous m’avez parlé.

Vous allez bientôt jouer: c’est une chance car le chômage dans cette profession est excessif. Vous n’appartenez pas à la bourgeoisie, c’est mieux, pour faire du théâtre, pour tout d’ailleurs…les jeunes bourgeois s’entendent bien avec les clercs et les idéologues, ils sont armés, méfiez-vous! Leur esprit de caste est d’avant 1789, tout en revendiquant 1789, mais c’est un dernier sursaut, un dernier hoquet car ils ont déjà compris qu’ils sont vulnérables. Alors, foncez-leur dans le lard.

Vous faire psychanalyser, pourquoi faire, maintenant? Attendez. Il faut beaucoup de vraie souffrance pour s’engager dans l’analyse… Peut-être le théâtre agrandira les souffrances, les angoisses de votre enfance divisée. Vous verrez alors ce que vous pourrez en supporter.

C’est cela, écrivez, écrivez, faîtes un autre métier, vous verrez alors le théâtre avec des yeux neufs, même naïfs! et puis vous mangerez à votre faim car sinon…

L’héroïsme de la pauvreté maudite? Oui, bien sûr, mais méfiez-vous là aussi. Dans les grands moments où bourgeoisie et malédiction s’entretenaient et s’entretuaient mutuellement, il y avait un ordre, maudit, en effet de la Beauté, mais qui réparait mal l’injustice.

De nos jours, la malédiction ne renvoie plus à aucune beauté; perditrice est cette époque qui refuse toute grâce.

Vous allez regarder l’«autre» jouer Hamlet: tout ce qu’il ne faut pas faire, la virtuosité et pas l’intelligence, l’habileté et souvent la dérobade. Ne soyez pas amer. Une critique encensera et un public suivra. Ragez, certes. Mais, regardez bien cet acteur: il «joue» des scènes, il interprète théâtralement, il est toujours en situation, et même quand il ne l’est pas, il sait s’y mettre par des équilibres de jeu au deuxième degré, comme il dit.

 Cependant, regardez le coin de son œil, cette paupière qui s’est affaissée et qui n’arrive pas à se relever malgré tout son talent, sa technique; cette paupière «usée» c’est celle de Polonius et non celle d’Hamlet.

Jouez en effet un rôle et non une idée, jouez le drame de la tragédie. Vous jouez dans l’Hamlet de Shakespeare, vous jouez un rapport à une œuvre, centrée sur le drame d’un personnage unique, dans une œuvre unique. Cherchez la «note» de cet unique… Le reste est de la décoration. J’ai compris que vous refusiez tout esprit décoratif

Donc j’irai vous voir jouer, pour vos débuts…

Je serai sévère

Votre Jean Gillibert

In Les Illusiades (p 331) cité dans Présence de Jean Gillibert de Michèle venard

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électre

 de Hugo Von Hofmennsthal

Grande Salle du Théâtre de la Colline mise en scène Stanislas Nordey.

Après avoir dirigé le CDn de Saint-Denis, Stanislas Nordey metteur en scène et sa compagne Valérie Lang, maintenant artistes - associés au Théâtre national de Bretagne, viennent au Théâtre national de la Colline à Paris, montrer le résultat de leurs travaux : électre de Hugo Von Hofmennsthal dans laquelle ils jouent Oreste et sa sœur, couple meurtrier, figures légendaires des enfants d'Agamemnon et de Clytemnestre.

  Les intentions de mise en scène sont visibles d'emblée. L'univers scénique mis en place pourrait être celui de l'opéra de Strauss dont le livret a pris appui sur la pièce. Elles visent au spectacle stylisé de l'émotion tragique : Tenebra obscura, levée graduellement, pinceaux de lumière sur les visages et les silhouettes, plans frontaux, avec en fond de scène la porte du palais sur laquelle se découpent les ombres des protagonistes. Une pluie de papillons rouges tombera des cintres, et électre que le metteur en scène, un peu à court, superpose à Antigone, dégagera les trappes de plateau et grattera dans une terre meuble en se recouvrant de poussière.

Or, la réalisation, c'est à dire, l'organisation, non seulement d'une forme, mais le travail personnel du metteur en scène et des acteurs duquel devrait jaillir la forme pour que tout joue ensemble, présente, compte tenu de l’ampleur des moyens financiers et techniques à disposition, plus que des insuffisances :

Dès l'ouverture dans le noir, ignorant des règles de l'art de dire, le chœur crachouille dans les micros. Le ton, ainsi est d'emblée donné. Il sera celui de tout le spectacle : un énorme défaut de respiration. Or, la respiration sous-tend le vertige du son et du sens et ses valeurs d'incarnation, absentes de cette production de théâtre national.

à la Colline, les protagonistes s'essoufflent, aussi bien par handicap technique que par écrasement du sens. Clytemnestre (Véronique Nordey) et Oreste (Stanislas Nordey) aplatissent les paroles en les banalisant et les vident de sens. Sophie Mihran (Chrysothémis, la sœur cadette) échappe parfois à ce système verrouillant, imposé par la "direction" d'acteurs, mais elle est vite rappelée à l'ordre de la voix et du corps volontairement muselés. Bruno Pésenti avec égisthe, dont la partition textuelle est sporadique n'échappe pas au carnage généralisé orchestré dans la pénombre du plateau mais à l'abri de l'institution théâtrale d'état :

ainsi, négation de la vérité psychique, négation de l'homme - acteur sur le plateau, évacuation du sensible.

à cela s'ajoutent, toujours dès la scène d'ouverture du chœur, les défauts du travail encore élargis par la suite, soit, la maladresse non corrigée de la prononciation inversée des voyelles ouvertes ou fermées. Cette inversion se retrouve dans le mouvement même et des corps et du texte :

ainsi, Stanislas Nordey pratique le part-pris vitézien de l'inversion entre ce qui est dit et ce qui est fait. Les corps font le contraire de ce que disent les bouches, la lumière des projecteurs aussi. érigé en système, le procédé provoque l'hilarité. Salutaire rébellion de spectateurs lassés.

Et encore, ce parti pris de gommer tout affect désavantage le jeu de l'actrice éponyme (Valérie Lang) à laquelle a été confié la partition textuelle centrale, extrêmement longue, et peut-être trop difficile pour son niveau de jeu dans un rôle où l'on attendrait une Casarès, une Fersen, une Hiegel ou Strancar, jeunes.

Elle manque d'ampleur, de rythme, de nuances, et, bien que cadrée souvent seule, de présence. Sa fureur tragique, mimée par des extériorités plus ou moins savantes, gesticulations de sémaphore qu'elle fige, postures machinales en hiéroglyphes, est de surface, plus épidermique que ventrale, anecdotique.

Quand l'émotion lui vient, cette comédienne s'emprisonne trop vite dans un rythme répétitif un peu pleurnichard.

Surtout, des moments centraux d'improvisation de jeu sont laissés en jachère au lieu d'être portés plus loin par une vraie imagination d'actrice. : lorsqu' elle creuse et s'asperge de terre, elle le fait comme creuserait un lapin avec ses pattes de derrière, mais sans rien en faire d'autre; lorsqu'elle relève avec fracas, une à une, la soixantaine de chaises qui jonchent le plateau, elle le fait seulement avec un trépignement d'autoritarisme, pas dans une vraie nécessité interne. Du coup, lorsqu'elle termine, physiquement épuisée, des applaudissements fusent mais - en tirera-t-elle leçon ?- comme au cirque, pour saluer le numéro.

C'est dire la décevante faiblesse de l'actrice précédée cependant par la rumeur flatteuse de lobbystes chevronnés et pour laquelle toute critique apparaît comme une malveillante manœuvre orientée contre son père et contre son parti. C'est dire l'état de confusion dans lequel se trouvent et le monde de la critique et le monde du théâtre d'état. C'est dire le totalitarisme de l'ensemble : Critiquer c'est se fusiller. Courtiser ou mourir.

électre enfant royal, peut bien être, pourquoi pas, une vieille fille mal bâtie, mais il faut à l'actrice qui l'incarne, afin d'aborder valablement les univers des poètes des antiques cités guerrières, de la profondeur psychique et un sens inouï du sacré. C'est une plongée à risque, valable pour les autres acteurs et très difficile. Il en faut l'étoffe et être guidé avec compétence et avec cœur. Et ne pas jouer seul. Car le spectacle a encore un défaut de taille et qui touche à l'acte même de communiquer :

le spectateur ne comprend pas à qui s'adressent les acteurs, à qui ils parlent, b/a ba du métier pourtant. Métier fragile, artisanat d'art, dont la dévaluation, ici aussi, est patente.

Pas plus que lors d'une précédente électre, celle de Sophocle, jouée au CDn de Nanterre, le spectateur n'est saisi par la dimension tragique de la pièce. Jamais il n'est emporté par le rêve du personnage qui le ferait rêver dans l'espace immense du plateau et dans celui intemporel du mythe.

Hélas.

Par michele-venard.over-blog.com - Publié dans : critiques de théâtre
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